Ophelia

3/27/2011 Beldz 7 Comments


A finales del siglo XVIII, la sensibilidad romántica recuperó personajes literarios que, por sus características, casaban muy bien con esa nueva manera de sentir y experimentar la realidad. Uno de los referentes principales fue Shakespeare: muchos de los protagonistas de sus tragedias eran personajes atormentados, obsesivos, desesperados; víctimas, en diversos casos, de las circunstancias y de las malas acciones de sus allegados. Ofelia fue uno de ellos: hija de Polonio y hermana de Laertes, se volvió loca tras la muerte de su padre, asesinado por error por el desdichado príncipe Hamlet. En su delirio, subió a la rama de un árbol e involuntariamente cayó al río, rodeada de flores, cantando y hundiéndose en las aguas.

La inspiración artística que este episodio encontró entre los pintores -principalmente prerrafaelitas- del siglo XIX es inagotable. Cada uno de ellos reinterpretó de manera poética este fatal episodio: tanto los instantes previos, cuando Ofelia recogía absorta las flores, como su caída y muerte en el río. Aquí os traigo tan sólo algunas muestras:

Richard Westall - The death of Ophelia (1793)
[British Museum]


Paul Delaroche - The Christian Ophelia o The Young Martyr (1855)
[Louvre]

Richard Redgrave - Ophelia (1842)
[Victoria & Albert Museum
]

Delacroix - The death of Ophelia (1844)
[Louvre]

Odilon Redon - Ophelia (1905)
[The Woodner Collection, New York]


Arthur Hughes - Ophelia (1853)
[Manchester City Art Gallery]

John William Waterhouse - Ophelia (1889)
[Andrew Lloyd Weber Collection]


John Everett Millais - Ofelia (1852)
[Tate Britain]


Alexandre Cabanel - Ophelia (1883)
[Colección privada]


Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret - Ophelia (1900)
[Colección privada]

Exposiciones temporales actuales (I)

3/20/2011 Beldz 2 Comments


Inauguro una nueva sección en la que iré poniendo aquellas exposiciones temporales que están teniendo lugar en algunos de los grandes museos del mundo.

El Prado (Madrid)
Chardin (1699-1779)
1 de marzo - 29 de mayo de 2011

Tras las exposiciones dedicadas a Chardin con motivo del bicentenario de la muerte del artista y el tricentenario de su nacimiento, en 1979 y 1999, no se había vuelto a revisar la relativamente escasa producción -algo más de doscientas obras- de este admirado y original pintor. Con 57 obras, la muestra constituirá una oportunidad excepcional para dar a conocer su obra por primera vez en España. El recorrido de la exposición seguirá un orden cronológico atravesando los aspectos más destacados desde los inicios de la vida artística de Chardin, en la segunda década del siglo XVIII, hasta los pasteles de los años setenta. El visitante se encontrará con muchas de sus más famosas creaciones junto a cuadros poco conocidos por tratarse de obras albergadas en colecciones particulares e incluso algunas identificadas recientemente. Ademá s, en el Prado se podrán contemplar 16 obras que no se han incluido en la presentación italiana de la muestra, entre las que cabe destacar La raya, una de sus pinturas más importantes, procedente del Musée du Louvre; Los atributos de las artes, del Musé e Jacquemart-André de París, cuadro de grandes dimensiones de tema alegórico que se presta por primera vez a una exposición; o las tres versiones de la Joven maestra de escuela que se reúnen en primicia para su presentación en la sede española.

Thyssen-Bornemisza (Madrid)
Jean–Léon Gérôme (1824-1904)
15 de febrero - 22 de mayo de 2011

La exposición Jean-Léon Gérôme (1824-1904) es resultado de un ambicioso proyecto conjunto en tre el J. Paul Getty Museum, el Musée d’Orsay y el Museo Thyssen-Bornemisza y que supone la primera gran exposición monográfica dedicada al pintor y escultor francés desde la celebrada hace treinta años en Estados Unidos, fundamentándose en los estudios en profundidad y catalogaciones que sobre la obra del artista ha venido realizando la historiografía más reciente. En la primavera de 2011 recalará en Madrid una versión reducida de la gran retrospectiva presentada en Los Ángeles y París a lo largo de 2010, pudi éndose contemplar una selección de 55 piezas entre sus obras más emblemáticas. Los óleos y esculturas que se presentan nos permiten conocer todos los puntos claves de este creador de imágenes y así profundizar en su concepción teatralizada de la pintura de historia, en el realismo y el gusto por el detalle de sus trabajos de tema oriental, así como del uso de la policromía en su producción escultórica.

Guggenheim (Bilbao)
Caos y clasic
ismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936
22 de febrero - 15 de mayo del 2011

Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936 realiza un recorrido por este período de entreguerras, desde la idea mítica y poética de la vanguardia pari sina hasta el concepto político e histórico de un renovado Imperio Romano imaginado por Benito Mussolini; hasta la elevada modernidad neoplatónica de la Bauhaus; y, finalmente, hasta la escalofriante estética de la naciente cultura nazi. La exposición relaciona los principales movimientos que proclamaron la claridad visual y temática, el Purismo, el Novecento italiano y la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) a través de diferentes temas muy singulares y vinculados entre sí. La presentación en el Museo Guggenheim Bilbao incorpora importa ntes ejemplos del arte español que adoptó esta vuelta al clasicismo. Pese a que España permaneció neutral durante la Primera Guerra Mundial, no fue ajena a los cambios políticos que el conflicto bélico acarreó. En 1931 se produjo la caída de la monarquía española y cinco años más tarde estallaría la Guerra Civil. Esta gran transformación de la estética de entreguerras en la Europa occidental llegó a la pintura, la escultura, la fotografía, el cine, la moda y las artes decorativas, por lo que la muestra presenta obras de Balthus, Giorgio de Chirico, Jean Cocteau, Otto Dix, Pablo Gargallo, Hannah Höch, Fernand Léger, Henri Matisse, Ludwig Mies van der Rohe, Pablo Picasso o August Sander.

Grand Palais (París)
Odilon Redon: Prince du Rêve
23 de marzo – 20 de junio del 2011

Contemporain des impressionnistes (il participera en 1886 à la dernière exposition du groupe), Odilon Redon (1840-1916) demeure comme le grand artiste du mystère et du subconscient en une époque qui était surtout éprise de réel et d’objectivité. L’un des principaux acteurs de l’art au tournant des XIXe et XXe siècles, il a joué un rôle essentiel dans la genèse du symbolisme, notamment par ses fusains et ses lithographies (les célèbres Noirs) avant d’être admiré pour ses pastels et ses tableaux par les jeunes peintres de la couleur, Nabis et Fauves. Il sera ensuite considéré comme l’un des précurseurs du surréalisme. L’exposition des Galeries nationales représente une véritable redécouverte de cet artiste. Quelques grandes monographies lui ont été récemment consacrées à l’étranger, mais cette rétrospective est la première organisée à Paris depuis celle de l’Orangerie en 1956. Elle repose sur l’étude de nombreux documents inédits qui permettent d’éclairer l’œuvre de Redon d’une lumière nouvelle, et notamment sur l’exploitation systématique de son livre de raison, dans lequel l’artiste a consigné le titre et la date de ses œuvres.

Grand Palais (París)
Nature et idéal: le paysage à Rome, 1600-1650. Carrache, Poussin, Le Lorrain…
9 de marzo – 6 de junio del 2011

C’est à Rome, dans la première moitié du XVIIe siècle, que débute véritablement l’histoire de la peinture de paysage. Auparavant, la représentation de la nature n’existait pas en tant que genre autonome dans la peinture européenne et c’est dans la capitale de la chrétienté que va naître et se développer cette nouvelle catégorie picturale, appelée à connaître un essor considérable. Rome était depuis l’antiquité une destination convoitée par les artistes désireux d’y compléter leur formation mais à la fin du XVIe siècle, divers facteurs vont permettre l’éclosion de ce genre profane: la présence simultanée de peintres parfois spécialisés venus de multiples foyers a rtistiques, en particulier les Flandres; l’attrait de la Ville éternelle, renouvelé par les transformations récentes de son paysage urbain; un goût croissant pour le dessin sur le motif et son réemploi dans l’œuvre peinte en atelier; la circulation des images favorisée par l’estampe, et l’intérêt nouveau des théoriciens; l’existence de grandes collections de peintures des maîtres de la Renaissance; enfin, l’immense succès commercial du paysage peint auprès des amateurs, en particulier ceux de l’aristocratie et des familles pontificales.

Musée d'Orsay (París)
Une ballade d'amour et de mort: photographie préraphaélite en Grande Bretagne, 1848-1875
8 de marzo - 29 de mayo del 2011

Dans l'Angleterre de la seconde moitié du XIXe siècle, en pleine époque victorienne, l'esthétique des peintres préraphaélites trouve de nombreux échos chez les photographes soucieux d'être reconnus en tant qu'artistes. Ceux-ci sont, comme les peintres, marqués par les écrits de John Ruskin, premier théoricien des préraphaélites. L'auteur y préconise un retour à la nature et à l'artisanat, se fait le défenseur d'une vision précise et exalte l'architecture médiévale à laquelle il attribue des hautes qualités morales menacées par l'industrialisation. Peintres préraphaélites et photographes victoriens se connaissent. Ils traitent les mêmes thèmes historiques, inspirés par Dante, Shakespeare, Byron ou Lord Tennyson, le "poète lauréat". Ils empruntent également à la vie moderne leurs sujets à tendance sociale et édifiante, si bien que s'établit une véritable communauté de vision entre bien des tableaux de John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Ford Maddox Brown et les épreuves de Julia Margaret Cameron, Roger Fenton, Lewis Carroll et Henry Peach Robinson. Un riche et fructueux dialogue s'instaure entre peintres et photographes, à la découverte duquel cette exposition nous invite.

National Gallery (Edimburgo)
French Drawings: Poussin to Seurat
5 de febrero − 1 de mayo del 2011

Over the last thirty years the National Gallery of Scotland has carefully and deliberately strengthened its excellent collection of French drawings in order to complement its holdings of French paintings. This outstanding exhibition of French drawings includes works by famous artists such as Poussin, Boucher, Ingres, Corot, Pissarro and Seurat, as well as important works by lesser-known masters such as Jeaurat, Lancrenon, Hesse, Dulac and Roguin. The subjects covered in this exhibition range from the courtly art of the sixteenth century to the more down-to-earth imagery of the Realists and Impressionists in the nineteenth century. There are preparatory drawings for tapestries and for ambitious Salon pictures, as well as figure studies made in the studio or landscape sketches inspired by study in the open air.

Tate Britain (Londres)

Romantics
9 de agosto del 2010 – 31 de julio del 2011

This summer, romance is in the air in the Clore Gallery. A major new nine-room display presents Romantic art in Britain, its origins, inspirations and legacies. Drawn from Tate's collection, it showcases major works by Henry Fuseli, JMW Turner, John Constable and Samuel Palmer, as well as newly-acquired works by William Blake. From Turner's reinvention of landscape to Blake's visionary histories, the display reveals the imagination and innovations of a generation defined by belief in creative freedom, rather than tradition or style. In addition, two rooms look at the legacy of The Romantics, presenting work by Graham Sutherland and others. Romantics, part of the BP British Art Displays, features over 170 key paintings, prints and photographs spread over nine thematic rooms exploring the origins, inspirations and legacies of British Romantic art.

National Gallery (Londres)
Jan Gossaert's Renaissance
23 de febrero – 30 de mayo del 2011

Jan Gossaert, a native of Flanders (active 1503; died 1532), was one of the most startling and accomplished artists of the Northern Renaissance. "Jan Gossaert’s Renaissance" is the first exhibition dedicated to the artist for over 40 years, and presents the results of a complete re-examination of his work, including new technical discoveries. The exhibition features over 80 works, including many of the artist’s most important paintings, including the ‘Virgin and Child’ and ‘Hercules and Deianeira’. It also features drawings and contemporaneous sculptures of the Northern Renaissance. The National Gallery has one of the largest and finest collections of Gossaert’s paintings in the world –a highlight being The Adoration of the Kings (1515). This exhibition allows them to be set in the context of the full range of the artist’s work, from the fruits of his early visit to Rome to the unusually erotic presentation of the nude in his Adam and Eve series.

British Museum (Londres)
Picasso to Julie Mehretu. Modern drawings from the British Museum collection
7 de octubre del 2010 – 25 de abril del 2011

The British Museum has an unparalleled collection of graphic art from across the world, and actively collects modern and contemporary works today. Collected over the past 35 years, this exhibition showcases many of the great artists of the 20th century, starting with Picasso’s study for his masterpiece Les Demoiselles d'Avignon, the painting that shook the art world in 1907. It also features works by E. L. Kirchner, Otto Dix, Matisse, Magritte, David Smith and Louise Bourgeois and major contemporary artists, including Anselm Kiefer, Gerhard Richter and William Kentridge. The exhibition concludes with Julie Mehretu, the Ethiopian-born artist who is one of the stars of the international contemporary art scene with acclaimed solo exhibitions at the Guggenheim in New York and across the world.

Wallace Collection (Londres)
Esprit et Vérité: Watteau and His Circle
12 de marzo - 5 de junio del 2011

The exhibitions will consist of a redisplay of the great Watteau canvasses in the Wallace Collection, in the intimate setting of the West Gallery at Hertford House; and downstairs, in the Collection’s Exhibition Galleries, significant masterworks of the 17th and 18th centuries by artists, including Rembrandt, Rubens, Greuze and Vernet, drawn from the collection of Watteau’s publisher and most important dealer, Jean de Jullienne. The relationship between Watteau, the most influential artist of his time, and Jean de Jullienne, one of France’s most significant art collectors, represents a key moment in the development of French 18th-century painting and patronage. Within his short career, Watteau (1684-1721) changed the course of painting. He revitalized the Baroque style, and invented the fête galante, a novel category of genre painting depicting pastoral and idyllic compositions where stage characters of the French and Italian comedies mingle with fashionable contemporaries.

Reiss-Engelhorn Museen (Mannheim)
The Return of the Gods. Berlin's Hidden Olympus
13 de junio del 2010 - 13 de junio del 2011

The exhibition 'The Return of the Gods. Berlin's Hidden Olympus in Mannheim' presents to the public unique treasures from the National Museums' Collection of Classical Antiquities, recently on show again for the first time in several decades. The artefacts each have an eventful past to speak of; most of them were once classified as 'cultural artefacts displaced due to the war', which were handed back to East Germany by the Soviet Union in 1958. For the next five decades they lay dormant in storage, out of sight from the public's gaze. The magnificent artworks have been restored to their radiant state once again after a period of extensive restoration. The exhibition brings together artworks of the finest quality from the period ranging from the 7th century BCE to the 3rd century CE. The works, taken from various epochs, show how the appearance of the individual gods altered over the course of time and how they were adapted to fit the dominant ideal of beauty or taste of their day.

Alte Pinakothek (Munich)
Vermeer in Munich
17 de marzo - 19 de junio del 2011

At the beginning of the 19th century, the first king of Bavaria, Max I Joseph (1756-1825), amassed a private art collection of the highest quality. He focused almost exclusively on 17th century Dutch masters, mostly landscapes and genre paintings. To these he added the works of contemporary painters in Munich who were inspired by such Old Masters. In December 1826, the private royal collection was sold at auction. Some exceptional works were acquired for the state collections; others found their way to the Alte Pinakothek via roundabout routes - as part of Ludwig I's collection, for example; many are now scattered far afield. From today's point of view, the greatest loss is a masterpiece by Johannes Vermeer: "Woman Holding a Balance" of 1664. This exquisite work is returning to Munich from the National Gallery of Art in Washington for a three-month period. Surrounded by other exceptional paintings from the "Golden Age" - including works by Jacob van Ruisdael, Willem van de Velde the Younger and Philips Wouwerman - it gives visitors the opportunity to discover Max I Joseph of Bavaria as a collector of Old Masters.

Museum of Modern Art (Nueva York)
Abstract Expressionist New York
3 de octubre del 2010 - 25 de abril del 2011

More than sixty years have passed since the critic Robert Coates, writing in the New Yorker in 1946, first used the term “Abstract Expressionism” to describe the richly colored canvases of Hans Hofmann. Over the years the name has come to designate the paintings and sculptures of artists as different as Jackson Pollock and Barnett Newman, Willem de Kooning and Mark Rothko, Lee Krasner and David Smith. Beginning in the 1940s, under the aegis of Director Alfred H. Barr, Jr., works by these artists began to enter the Museum’s collection. Thanks to the sustained support of the curators, the trustees, and the artists themselves, these ambitious acquisitions continued throughout the second half of the last century and produced a collection of Abstract Expressionist art of unrivaled breadth and depth. Drawn entirely from the Museum’s vast holdings, Abstract Expressionist New York underscores the achievements of a generation that catapulted New York City to the center of the international art world during the 1950s, and left as its legacy some of the twentieth century’s greatest masterpieces.

Lord Byron: Prometheus

3/12/2011 Beldz 0 Comments


Prometeo


I

¡Titán! Ante cuyos ojos inmortales
los sufrimientos de la humanidad,
vistos en su triste realidad,
no eran como las cosas que los dioses desprecian.
Un callado e intenso sufrimiento;
la roca, el buitre, y la cadena,
todo lo que el soberbio puede sentir de dolor,
la agonía que ver no deja,
la asfixiante sensación del infortunio,
que no habla sino en su soledad,
y luego es celosa, a menos que el cielo
posea un oyente, no suspirará
hasta que su voz eco no tenga.

II

¡Titán! La lucha te otorgaron
entre el sufrimiento y la voluntad,
que torturan cuando no pueden matar;
y el cielo inexorable,
y la sorda tiranía del destino,
el dominante principio del odio,
que para su placer crea
las cosas que pueden aniquilar,
te negaron hasta la dádiva de morir:
el desdichado don de la eternidad
era tuyo y bien lo has soportado.
Todo lo que Júpiter tonante te arrancó
no fue sino la amenaza que le devolvió
los tormentos de su tortura:
el destino muy bien previste,
pero no se lo dijiste para aplacarle;
y en tu silencio estuvo su sentencia,
y en su alma un vano arrepentimiento,
y un temor malvado tan mal disimulado,
que en su mano temblaron los rayos.

III

Tu crimen divino fue ser bondadoso,
el hacer con tus preceptos menor
la suma de las desventuras humanas,
y el fortalecer al hombre con su propia mente;
pero confundidos como tú fuiste desde las alturas,
aún en tu paciente energía,
en la resistencia y en la repulsa,
de tu espíritu impenetrable,
que ni tierra ni cielo pudieron agitar,
una poderosa lección heredamos:
tú eres un símbolo y un signo
para los mortales de su destino y su fuerza;
como tú, el hombre es en parte divino,
una corriente turbulenta de fuente pura;
y el hombre en parte puede prever
su propio destino fúnebre;
su desventura y su resistencia,
y su triste existencia sin aliados:
a la que su espíritu puede oponerse
y equipararse a todos sus desastres,
y a una firme voluntad y a un hondo sentido,
que hasta en la tortura capaz es de divisar
su propia recompensa concentrada,
triunfante cuando se atreve a tal desafío,
y haciendo de la muerte una victoria.

Diodati, julio de 1816
Extraído de:

Lord Byron: Poemas escogidos

Editorial Visor Libros, 2006
Tapa blanda, 147 págs., 10€

Sobre Prometeo

Prometheus, the fallen one

Pinturas (V)

3/10/2011 Beldz 0 Comments

Giovanni Paolo Pannini - Fête musical (1747)
[Louvre]


Constable - La inauguración del puente de Waterloo (1829)
[Victoria & Albert Museum, Londres]

Leutze - Colón ante la Reina (1843)
[Brooklyn Museum]

Edouard Gaertner - Berlin, Unter den Linden (1853)
[Alte Nationalgalerie, Berlín]

Pissarro - Castaños en Osny (1873)
[Colección privada]

Renoir - Almuerzo a bordo de un barco (1881)
[Phillips Collection, Washington]

La influencia de la caligrafía china en Occidente

3/04/2011 Beldz 0 Comments


Para los chinos, la caligrafía es la primera de las grandes artes. Basta con observar algunas imágenes de Shanghai, Beijing o Hong Kong, para darse cuenta de la importancia de la escritura en la sociedad oriental. En realidad, la caligrafía china es más imagen que escritura: las calles están llenas de enormes carteles que incitan a desviar la mirada hacia esos elaborados símbolos. Creados principalmente con tinta y pincel, no sólo son la expresión ancestral de un pueblo, sino también su signo de identidad. Los caracteres chinos han sido trazados, a lo largo de la historia, según cinco estilos diferentes: desde un estilo más cercano al pictograma -el más antiguo, llamado estilo sello-, hasta uno totalmente cursivo -de ejecución rápida-, pasando por un estilo regular propio de la dinastía Tang -siglos VII a X-.

La ejecución de los signos de la escritura también está muy relacionada con las prácticas taoistas. Para esta concepción fundamental del pensamiento oriental, la creación surge del interior cuando se unifica el espíritu. Es indispensable tranquilizar el alma y concentrarla para obtener la inspiración necesaria. La caligrafía, como arte, debe ser ejecutada a partir de estos principios.

La gestualidad que el calígrafo imprime en cada uno de los trazos inspiró a diversos artistas occidentales, principalmente aquellos que formaron el movimiento informalista, surgido después de la Segunda Guerra Mundial. Este término se utilizó para describir un tipo de pintura abstracta, gestual, espontánea, paralela al expresionismo abstracto estadounidense. Los artistas intentaron expresar la estética oriental en sus obras a través de una pincelada enérgica y automática. Buena muestra de ello son algunas de las pinturas que os traigo en esta ocasión:

Henry Michaux

Franz Kline

Jean Degottex

Robert Motherwell

Mark Tobey

Julius Bissier

Georges Mathieu

Hans Hartung

Antoni Tàpies

Joan Miró

Yves Klein

Cy Twombly


Jackson Pollock